Las enfermedades cardiovasculares (como el infarto de miocardio y el accidente cerebrovascular) son las más mortíferas del mundo, no en vano se cobran 17,3 millones de vidas al año. Con las actividades organizadas cada 29 de septiembre, Día Mundial del Corazón, se intenta que el gran público conozca mejor los métodos para reducir al mínimo los factores de riesgo, por ejemplo mantener el peso corporal controlado y hacer ejercicio regularmente.

En colaboración con la OMS, la Federación Mundial del Corazón organiza en más de 100 países actos como controles de salud, caminatas organizadas, carreras, sesiones de gimnasia, charlas públicas, representaciones teatrales, foros científicos, exposiciones, conciertos, festivales y torneos deportivos.

Fuente: http://www.who.int/mediacentre/events/annual/world_heart_day/es/index.html

Enlaces conexos

• Más información sobre las enfermedades cardiovasculares
• Q&A: ¿Qué puedo hacer para evitar un infarto de miocardio o un accidente vascular cerebral?
• Federación Mundial del Corazón – en inglés

Lo que proponemos a nuestros pacientes o alumnos es que encaucen sus sentimientos controlando sus pensamientos a través de su imaginación. Sustituyendo sus pensamientos inútiles por pensamientos útiles generan sentimientos que mitigan el sufrimiento y les ayudan a vivir mejor. (*)

(*)María Ángeles Chavarría; Ángel Escudero Villanueva, Factor Emocional. Guía para manejar el estrés, Brief, Valencia 2010.

Desmontemos, pues, el miedo entendiendo sus mecanismos.

El cerebro, además de encargarse de controlar las funciones vitales del organismo, tiene como misión obtener y analizar la información procedente del interior y del exterior con el fin de mantener la integridad del individuo y perpetuar la especie gestionando su comportamiento: procrear, comer, evitar ser comido, etc.

Al principio, las emociones eran respuestas simples que se limitaban a permitir el alejamiento de estímulos nocivos y a coordinar un acercamiento a estímulos beneficiosos. Al ir apareciendo seres vivos más complejos, estas respuestas necesitaron coordinar un mayor número de elementos fisiológicos como hemos visto en la respuesta de lucha o huida. Ciertos grupos neuronales del cerebro, empezaron a especializarse en captar señales, analizarlas y coordinar las respuestas adecuadas. Estas estructuras las conocemos como “cerebro emocional” y se encargan de organizar las emociones en forma de respuestas rápidas, automáticas e instintivas imprescindibles para la supervivencia. Por ejemplo: si estamos en nuestra casa tranquilos y relajados y de repente oímos un ruido de cristales rotos, el estímulo auditivo captado por nuestro oído es enviado a nuestro cerebro emocional para generar una respuesta inmediata y defendernos ante un posible peligro.

Con el tiempo, sobre este cerebro instintivo y primitivo, fue apareciendo una nueva estructura: la corteza cerebral, capaz de procesar los datos que llegan tanto del interior como del exterior con más exactitud pero de forma más lenta. La corteza cerebral permite ser consciente de las propias emociones, sentir el propio organismo emocionado, es decir, elaborar los sentimientos.

Ignacio Morgado, en su libro titulado Emociones e inteligencia social, lo explica de una forma muy didáctica: “Así pues, el miedo, la sorpresa, el enfado, el asco, la tristeza o la alegría, no son otra cosa que sentimientos, es decir, experiencias que el cerebro produce basadas en la percepción consciente de los cambios físicos emocionales que se están produciendo en el cuerpo. Además, como cada situación emocional provoca un patrón diferente de esos cambios, el cerebro los percibe también como sentimientos diferentes. (…) Son sentimientos diferentes porque las emociones que los producen implican patrones diferentes de alteraciones fisiológicas del cuerpo y el cerebro. En cualquier caso, primero es la emoción y después el sentimiento. (…) Recientemente, Antonio Damasio y otros investigadores, han realizado experimentos y observaciones clínicas que demuestran que, en contra de lo que pudiera parecer, los cambios, como la liberación de adrenalina o el aumento de latidos del corazón, que tienen lugar en una persona que siente miedo, no son la consecuencia de sentir tal miedo, sino al revés, es decir, no es que al sentir miedo lata más de prisa el corazón, como solemos creer, sino que el latir más rápido el corazón es lo que hace que se produzca el sentimiento real de miedo.”(*)

(*)María Ángeles Chavarría; Ángel Escudero Villanueva, Factor Emocional. Guía para manejar el estrés, Brief, Valencia 2010.

31.- “Aprovecha la ocasión de tocar música de conjunto, o sea: duetos, tríos, cuartetos, etc… adquirirás siempre desenvoltura y arrojo en la ejecución. También es beneficioso acompañar a los cantantes.”

He aquí una de las claves esenciales de la música. Todos los estudiantes desean ser solistas  y alcanzar la fama. Pero nunca hay que olvidar que la música, como arte, siempre implica compartir. Un solista comparte con un auditorio sus conocimientos, emociones, técnica y estilo. Pero también debe aprender a compartir con otros músicos. El verdadero sentido de la música de cámara es formar un nuevo instrumento musical nacido de la fusión de distintos de ellos y de la personalidad de cada intérprete, de tal forma que la unión de todos y el diálogo mutuo permiten enriquecer el sentido de cada partitura. Y todo ello siempre para compartirlo con un auditorio, lo que permite mayor número de actuaciones y por tanto adquirir más control de la intervención en público.
32.- “Si todos quieren ser primer violín, ¿cómo sería posible formar una orquesta? Por lo tanto valora a cada ejecutante en la parte que desempeña.”

Puede que el primer violín sea la estrella de una orquesta, al igual que un crack del futbol lo puede ser de su equipo. Pero no es menos cierto que sin todos y cada uno de los miembros de una orquesta nunca podría desarrollar su virtuosismo. Por eso, cada miembro de la orquesta es tan importante. Y han de ser conscientes de ello, porque sin esta condición, desaparece la auto exigencia y la ambición por mejorar. Al igual que en el futbol o en el baloncesto, son equipo bien conjuntado y compenetrado no hay estrella que brille.

33.- “Ama el instrumento que tocas; pero no seas tan vanidoso de creer que él es el mejor de todos, pues otros no le son inferiores. Reflexiona también que existe la voz humana, y que en la
música se alcanza lo sublime uniendo el coro a la orquesta.”

Son muchos los chistes conocidos sobre determinados instrumentos, lo cual no deja de ser anecdótico. Cada instrumento tiene su propia belleza y personalidad. Y aún es más importante la calidad humana del intérprete. Por este motivo, cuantas más voluntades se unan y compartan la música a través de las distintas formaciones vocales e instrumentales, mayor será el nivel artístico. La música es compartir, y cuanto más se comparte, mayor es la calidad artística.

34.- “Progresando en el arte, trata de familiarizarte más con las partituras que con los virtuosos.”

La música está en la partitura escrita. Ésa es la fuente de todo intérprete y en ella debe aprender y extraer todo el contenido musical. Los grandes virtuosos son distintas posibilidades de metas, alcanzables o no según el desarrollo técnico y estilístico de cada intérprete, que pueden servir de referencia como grandes maestros que son. Pero nos haríamos un flaco favor si todas nuestras aspiraciones fueran imitarlos, porque es imposible, ya que cada interpretación e única e irrepetible. El verdadero músico es aquel que es capaz de formular nuevas y personales interpretaciones desde la partitura.

35.- “Ejecuta muy a menudo las obras de los grandes maestros, máxime las de Juan Sebastián Bach. El Clave bien temperado sea tu pan cotidiano; llegarás, sin duda a ser un pianista de prestigio.”

Bach es la perfección y el orden en la música. Polifonía, equilibrio, expresión contenida, etc. Al igual que Schumann, esto mismo también lo decía Chopin, Mendelssohn, Brahms, Casella, Neuhaus y tantos otros grandes maestros. El domino de la obras de Bach obliga a unas cotas de concentración y control técnico que abren las puertas a la ejecución de cualquier otro tipo de repertorio.

36.- “Entre tus compañeros, debes preferir siempre a los que saben más que tú.”

Nunca hay que ser tan vanidoso de creerse el mejor. Por definición, siempre hay alguien mejor que uno mismo. Y esta premisa hay que aceptarla con humildad, porque sólo así se es verdaderamente feliz y recorremos con eficacia el largo camino del aprendizaje continuo.

37.- “Mitiga la severidad de tus estudios musicales con la lectura de buenos poetas. Además, pasea muy a menudo por los campos y los bosques.”

Tradicionalmente se dice que la música es poesía. Y con razón. Todas las obras musicales tienen su referencia en los distintos estilos poéticos contemporáneos a su composición. Por ello es tan interesante leer a los poetas contemporáneos del compositor que vayamos a interpretar, y más si conocemos cuáles eran sus poetas predilectos, porque nos ofrecen una pista valiosísima para acceder a la estructura de su lenguaje compositivo y al contenido expresivo de sus obras. Es el caso de Beethoven con Schiller o heine; Liszt con Dante o Petrarca; Debussy con Baudelaire, o Ravel con Bertrand.
38.- “Se puede aprender mucho de los cantantes; pero no es prudente creer todo lo que dicen.”

El cantante siempre tiende a concederse determinadas libertades expresivas, comprensibles porque la voz es un instrumento que no se puede comparar con el resto. La gran ventaja de los cantantes es que a la música tienen añadida la letra, lo que es un claro indicador del contenido exacto de la música. Un buen cantante es un gran conocedor del estilo y da la interpretación, y en este sentido es un gran maestro. Pero nunca hay que confundir esta ventaja con las libertades expresivas que no son aplicables a otras obras instrumentales.
39.- “Reflexiona que no eres único en el mundo; por lo tanto sé modesto. Tú no has ideado o hallado cosa que otros no hayan ideado o hallado antes que tú;  y en el caso que esto aconteciera, considéralo como un don de Dios que debes dividir con otros.”

Como antes hemos apuntado, la música es compartir, y la esencia de compartir es la humildad. El músico siempre debe estar aprendiendo.
40.- “El estudio de la historia de la música y la audición de la obra de los grandes maestros de distintas épocas, son los verdaderos remedios contra toda vanidad y presunción.”

La humildad lleva a la necesidad de aprender. Y las fuentes para ello son los buenos tratados de historia musical, los ensayos de reconocidos historiadores y musicólogos, así como las grabaciones y actuaciones en público de los grandes intérpretes.

EL CUERPO, TU PRIMER INTRUMENTO MUSICAL

MENTE – CUERPO – INSTRUMENTO – SONIDO – MÚSICA

El estudio de un instrumento musical debería ser en gran parte el estudio del funcionamiento de nuestro propio cuerpo. El sonido y la música  son el resultado de la acción inteligente y sensible del cuerpo sobre instrumento. Siguiendo los consejos que aparecen en el segundo punto,  puedes evitar el llegar a tener problemas que afecten a tu estudio diario.

1 – ORIGEN DE LOS TRANSTORNOS ESPECÍFICOS DE LOS MÚSICOS

MOVIMIENTOS REPETITIVOS

Al igual que los deportistas, la repetición continuada de determinados movimientos pueden provocar agotamiento y desgaste muscular o esquelético. Es imprescindible, por lo tanto, contrarrestar los efectos negativos de dichos movimientos mediante una serie ejercicios y hábitos para que nos prevengan de dichas dolencias.

MOVIMIENTOS INCORRECTOS

Otra fuente de problemas físicos es la utilización reiterada de una técnica descuidada o incorrecta. Uno de los principales objetivos de la técnica es precisamente prevenir a medio y largo plazo los problemas físicos derivados de un mal uso del cuerpo. Puede que al principio no comprendas la importancia de la máxima corrección en la ejecución de la técnica del instrumento, porque el beneficio físico lo obtendrás a medio y largo plazo. Siguiendo con exactitud la serie de consejos que te dé tu profesor en cada clase, no tienes porque tener una mala técnica ni sufrir problemas importantes en ningún momento.

EL DOLOR FÍSICO

El dolor físico, a pesar de ser algo muy desagradable, tiene una utilidad fundamental: es la señal de alarma que nos avisa de que algo no está funcionando correctamente. Por lo tanto es importantísimo atender a esta llamada de nuestro propio cuerpo, cuando aparezca, para corregir o evitar lo que la produce. A la más mínima señal de alerta (la sensación de dolor), debes informar a tu profesor inmediatamente. Él te aconsejará sobre lo que debes hacer. No dejes pasar semanas sin avisarle, porque cuanto más tardes en tratar una lesión, más tardarás en curarla. Ningún dolor, por pequeño que sea, debe acompañarnos en el estudio.

2- CONSEJOS PREVENTIVOS BÁSICOS

(Más vale prevenir que curar)

A continuación encontrarás unos cuantos consejos básicos para la prevención de problemas físicos. Es importante que seas riguroso y constante en cumplirlos todos. Una vez te acostumbres a ellos no te costará ningún esfuerzo ni apenas tiempo realizarlos.

2.1 CONSEJOS SOBRE EL ESTUDIO DIARIO

• Regularidad en el estudio.Si el cuerpo no está habituado y preparado para un ritmo de trabajo regular, la musculatura no estará suficientemente  entrenada y se producirán sobrecargas musculares con facilidad. Hazte un horario de estudio semanal que sea bien proporcionado con respecto a tu  nivel, y sobre todo, procura cumplirlo. Es importante tener en cuenta la regularidad en el estudio tanto en dias de la semana (todos los días posibles) como en horas diarias (el mismo número de horas al día)
• Preparación al estudioSi al comenzar a tocar no preparamos y calentamos la musculatura, ésta se puede forzar innecesariamente al exigirle movimientos y contracciones violentas en frío. Es un principio que los deportistas tienen muy claro. Existen muchos tipos de ejercicios y estiramientos para cuerpo, brazos y manos, pero el principio fundamental que debes tener siempre en cuenta es que los movimientos evolucionen de lentos a rápidos y de muy suaves y relajados a firmes y fuertes.
• La técnicaUno de los principales objetivos de la técnica es prevenir a medio y largo plazo los problemas físicos derivados de un mal uso del cuerpo. No debemos confundir la técnica con los ejercicios que utilizamos para desarrollarla. Por técnica entendemos todo aquello relacionado con el control y utilización correctos del cuerpo y brazos. Por lo tanto, la técnica se debe aplicar a todo lo que interpretemos, desde los ejercicios y escalas hasta todas las piezas musicales.Los tres pilares fundamentales de la técnica son: la posición, el equilibrio y la actitud muscular.
  • Posición del cuerpo.La posición y disposición de cada articulación con respecto al resto del cuerpo y al instrumento es una de las lecciones básicas que debemos observar y perfeccionar de una forma consciente día a día. Observarte en un espejo mientras tocas te permitir comprobar la correcta disposición de tu cuerpo con respecto a tu  instrumento.
• EquilibrioLa balanza, el símbolo del equilibrio,  es un buen ejemplo del ideal de la posición: una columna vertebral horizontal y unos brazos que se corresponden en peso y posición. La sensación de equilibrio es la que debe construir la posición del cuerpo.
  • Actitud muscular.Una cosa es la posición del cuerpo y otra es la actitud muscular que tenemos con dicha posición. Podemos tener una mala actitud muscular dentro de una buena posición. Ésto es evidentemente igual de negativo que una mala posición. La actitud muscular ideal es la que nos permite utilizar toda nuestra fuerza pero de una forma extremadamente fluida  y sensible, sin tensiones ni bloqueos en ninguna parte de nuestro cuerpo.
  • Reciclaje técnicoEn algún momento de tus estudios es posible que tu profesor te recomiende un reciclaje técnico. El reciclaje consiste en un período de tiempo en el cual todo el estudio y clases se centran en la observación y control de la técnica. El objetivo de estos reciclajes es eliminar hábitos inconscientes para substituirlos por una técnica correcta hasta que ésta se integre en la memoria muscular del alumno. Muchas veces el alumno tiene la sensación de que durante un reciclaje se produce un estancamiento e incluso una regresión en su nivel. Ésto es debido a que en un principio parece que no se puedan tocar piezas del nivel que antes del reciclaje se tenía. Es un momento que requiere mucha voluntad y sobre todo consciencia de lo que se está haciendo y de porqué debe hacerse. Después de un reciclaje siempre se produce una evolución enorme.

2.2 CONSEJOS SOBRE EL
TRANSPORTE DEL INSTRUMENTO

Muchos de los problemas musculares de los músicos están relacionados con el transporte del instrumento. Al repetirse periódicamente el mismo tipo de carga sobre los hombros y la espalda, podemos estar dañándolos a medio plazo. Valora la conveniencia de la utilización de un estuche rígido o una funda. El estuche ofrece una mayor protección para el instrumento pero su mayor peso puede perjudicarnos a medio-largo plazo. Actualmente existen unos estuches de fibra de carbono super ligeros, pero sus precios son todavía excesivamente altos.

Tanto en un caso como en otro, utiliza las correas tipo mochila para distribuir el peso de forma equilibrada entre los dos hombros. Acostúmbrate a descargar el instrumento siempre que no camines, aunque sea por unos instantes. A veces la pereza de no hacerlo nos mantiene demasiado tiempo seguido cargados.

2.3 CONSEJOS SOBRE
LA FORMA FÍSICA

Es muy conveniente complementar la actividad física del músico con algún tipo de deporte, o técnica corporal. Al pasarnos tantas horas a la semana realizando el mismo tipo de movimientos, hay
partes del cuerpo que no están suficientemente entrenadas. A la hora de escoger un deporte guíate por tus preferencias personales, pero vigilando que se traten de actividades no agresivas ni violentas para la espalda, brazos y sobre todo manos, ya que nos podrían ocasionar pequeñas lesiones que nos imposibilitarían tocar por algún tiempo.

El deportes más recomendable por su gran beneficio sobre la espalda es la natación.

Otras actividades también recomendables para músicos son:

• • Técnica AlexanderUn sistema para reeducar la mente y el cuerpo, que propicia una nueva manera de verse y “usarse” a uno mismo. Los profesores de esta técnica trabajan con los alumnos uno a uno, y enseñan cómo evitar las tensiones perjudiciales y cómo dirigirlas hacia un modo más natural de utilizar el cuerpo y la mente.
  • YogaEste famoso sistema hindú combina la salud física, mental y espiritual. La forma más común es el Hatha Yoga, una serie de ejercicios y posturas (asanas) diseñadas para estimular el
    bienestar físico y mental. El yoga se ha practicado en la India durante miles de años.
  • Tai-chiEl Tai Chi se originó en China hace cientos de años como arte marcial. Actualmente se ha popularizado com un  tipo de gimnasia o danza extremadamente lenta en la cual se trabajan la respiración, la fluidez de la energía y la consciencia del movimiento. Al igual que el yoga, su práctica estimula el bienestar y el equilibrio físico y mental.

   

3 – TERAPIAS Y TRATAMIENTO

Si cumples todos los consejos preventivos básicos será mucho más dificil que llegues a padecer algún problema físico. Recuerda que ante la aparición de cualquier dolor relacionado con el estudio debes avisar inmediatamente a tu profesor.

En caso de que aparezcan molestias, por no cumplir todos los consejos anteriores, o a pesar de cumplirlos, existen diferentes terapias para su tratamiento. Tu profesor te orientará sobre cual podría ser la más conveniente en tu caso.

Todos los consejos preventivos básicos , también pueden usarse como terapia.

El primer y más elemental tratamiento es el reposo. Antes de probar cualquier otra terapia debes dejar un tiempo prudencial sin tocar para observar si la molestia continúa o desaparece. En caso de desaparecer lo más común es que se hubiera tratado de un simple cansancio muscular, pero ten mucho cuidado con la vuelta al estudio. Debes extremar las precauciones y volver a tu ritmo de estudio habitual de una forma muy progresiva.

A continuación tienes una brebe descripción de las terapias más comunes para el tratamiento de los problemas y dolores posturales.

• OsteopatíaConsiste en un sistema de medicina que estudia los transtornos estructurales y mecánicos del cuerpo. La osteopatía se centra en los huesos, músculos y otros tejidos, o sea en el armazón del cuerpo. Por medio de masajes y manipulaciones los osteópatas hacen que el cuerpo del paciente funcione correctamente. La osteopatía fue fundada por el médico americano Andrew Taylor Still (1828-1917).
• QuiroprácticaEl quiropráctico alivia el dolor manipulando las articulaciones, especialmente las de la columna vertebral de una forma parecida a los osteópatas. Se puede emplear para corregir transtornos de las articulaciones, los músculos y la columna. El americano David Daniel Palmer (1845-1913) es considerado fundador de la quiropráctica moderna. En la actualidad existen en Barcelona clínicas quiroprácticas especializadas en el tratamiento de músicos.
• TraumatologíaLas terapias utilizadas normalmente por la traumatología son las farmacológicas (antiinflamatorios y analgésicos) y la fisioterapia (ejercicios de rehabilitación). En la actualidad existen en algunos hospitales unidades especializadas en el tratamiento de músicos.
• AcupunturaUn sistema de medicina oriental basado en el principio de que la energía vital fluye por una red de meridianos en el cuerpo. La enfermedad es considerada como un estado de desequilibrio energético en ciertas zonas-un exceso en algunas, una deficiencia en otras. El acupuntor clava las agujas en determinadas partes del cuerpo para estimular o calmar el flujo de energía. La técnica de acupresión utiliza la presión de los dedos en ciertos puntos para conseguir resultados similares.
• ShiatsuShiatsu es una palabra japonesa que significa “presión del dedo”. El terapeuta presiona sobre cientos de puntos superficiales a lo largo de los meridianos corporales para reequilibrar la calidad y cantidad de energía. Este sistema fue popularizado por Tokujiro Namikoshi (1905-94)

21.- “Aquella música cuyo único fin es poner en evidencia dificultades técnicas en la ejecución, pronto pasa de moda: las dificultades técnicas tienen valor solo cuando persiguen fines más elevados, o sea cuando logran una perfecta ejecución de la música de verdadero mérito.”

El intérprete nunca debe convertirse en un personaje de circo para ver cuántas notas toca por segundo y la dificultad de ejecución. Eso será muy espectacular al momento, pero no lleva a nada. Los grandes intérpretes a lo largo de la historia, lo han sido gracias a fantásticas interpretaciones, que indudablemente lleva implícito un gran dominio de la técnica. Pero el fin nunca es ésta, sino la comunicación y el arte.
22.- “No divulgues las malas composiciones, antes trata con todas tus fuerzas de impedir su difusión.”

Aquí Schumann saca a relucir su faceta de crítico musical. Su excepcional formación y aptitud literaria se plasmaban en críticas musicales, en las que, a través de personajes imaginarios, profundizaba en las obras de sus contemporáneos. De ahí que valore tanto el trabajo de difundir las obras de calidad contrastada.

23.- “No toques música mala y, salvo que las circunstancias te obliguen, tampoco la escuches.”

Durante el siglo XIX se produjo una abundante proliferación de compositores merced a la liberación de la música de los mecenas y su apertura hacia los salones gurgueses, cafés, teatros, etc, junto a la creación de nuevos conservatorios y academias musicales. Ante tanta avalancha, es fácil comprender a Schumann. Con el tiempo, la Historia ha ido poniendo a todos en su lugar. Eso mismo ocurrirá con la música de hoy en día. De ahí la importancia de una buena formación, tanto para compositores como para intérpretes.
24.- “No creas que la verdadera maestria consiste solo en la agilidad. En la ejecución de un trozo procura más bién producir la impresión que tenia en la mente el compositor, y nada más. Cualquier otra cosa sería caricatura.”

Ante todo, la fidelidad a la partitura. El compositor compone para expresar ”algo” que se corresponde con sus vivencias personales en un momento determinado. La obligación del intérprete es indagar en todo ese contenido y plasmarlo en su interpretación, que siempre será el cristal a través del cual ha observado el mundo interior de la partitura conforme a sus propias vivencias. De ahí que sea tan importante conocer la vida y el estilo del compositor, para comprenderlas, interpretarlas y, basándose en la propia intuición y experiencias personales, transmitirlas a través del sonido.
25.- “No olvides que es cosa detestable y monstruosa hacer cambio y mutilaciones en la música de los grandes compositores, como también agregar adornos de uso exclusívamente moderno. Es la máxima injuria que se pueda hacer al arte.”

Aquí hay que recordar lo que dice Berlioz al respecto: “No, no, no, diez millones de veces no; músicos, poetas, actores, pianistas, directores de orquesta de tercero, segundo y también de primer orden, vosotros no teneis el derecho de retocar a los Beethoven y a los Shakespeare, para hacerles la limosna de vuestra ciencia y de vustro gusto. No, no, no, mil millones de veces no; un hombre, cualquiera no tiene el derecho de constreñir a otro hombre, cualquiera que sea, a dejar su propia fisonomía para tomar otra, a expresarse en una manera que no es la suya, a asumir una forma que él no ha elegido”.
26.- “Al seleccionar la música que debes estudiar, consulta siempre a personas con más experiencia que tú: ahorrarás tiempo.”

Es la vigencia permanente del maestro. Siempre hay alguien mejor que uno mismo. Y siempre hay alguien especializado en un compositor o en una obra de quien podemos aprender. La humildad es el camino más rápido y efectivo para llegar a ser un buen intérprete.

27.- “Procura conocer paulatinamente las obras maestras de los mejores compositores.”

El aprendizaje es un proceso largo de construcción. Por ello hay que comenzar siempre por lo más asequible y fácil de comprender, para poco a poco, adquirir mayores destrezas técnicas y, fundamentalmente, mayores conocimientos musicales.

28.- “No te dejes engañar por los aplausos que obtienen muy a menudo los llamados virtuosos. La aprobación de los competentes sea para tí de mayor valor que la del público.”

El intérprete nunca debe dejarse llevar por las modas ni por el agrado o predilección del público hacia cierto repertorio. La verdadera vara de medir se halla en el reconocimiento de aquellos que poseen los conocimientos musicales y la formación necesaria para poder emitir valoraciones justas. El aplauso del público es un gran estímulo hacia el estudio y la satisfacción personal. El aplauso
del maestro es el auténtico logro personal.

29.- “La música que está de moda tiene poca vida; si persistes en cultivarla, serás considerado un necio.”

Las modas pasan. Lo perdurable es la formación y la investigación contínuas, sin rechazar aquello de enriquecedor que puedan proporcionar las modas.

30.- “Tocar mucho en reuniones sociales es más dañoso que útil. Adáptate al gusto y a la inteligencia del auditorio; pero sin ejecutar ninguna música de la cuál, íntimamente, puedas avergonzarte.”

Hay que conocer el tipo de público para el que vamos a actuar. A él debemos adaptar en cierta medida el repertorio, pero nunca hay que caer en el exhibicionismo fácil, ni en la interpretación de obras que ni enriquecen ni satisfacen al intérprete, porque elllo siempre influirá en la calidad de la interpretación.

Una ambientación musical:

Joschua Bell interpreta concierto para violín de Schumann, 2º movt.

Tradicionalmente el solfeo siempre se había concebido como el medio más natural para aprender a interpretar, no sólo para aprender a leer. Como bien dice Schumann, el canto de cada pasaje melódico de cualquier partitura implica la utilización de nuestro medio natural de expresión, y por tanto, del más indicado para conseguir ofrecer en cada melodía la máxima intensidad expresiva. Cantar y oírse el propio canto es el camino más rápido hacia la interiorización de cualquier partitura.

12.- “Ejercita tu memoria para poder retener no solo la melodía de una composición, sino también su armonía.”

Es un error frecuente dividir las fases del estudio en lectura, dominio técnico y por último, memorización. De hecho, una primera lectura con concentración es más que suficiente para que la música se haya grabado en el cerebro. Por tanto, es mucho más útil y eficaz la memorización a la par que la lectura. Con ello se adelantan los plazos, se interioriza más rápidamente la partitura y, en consecuencia, se evitan tensiones y agarrotamientos, permitiendo centrarse en la interpretación.

13.-” Aunque tengas poca voz, acostúmbrate a cantar repentizando, sin la ayuda de instrumento alguno; así perfeccionarás siempre más el oído. Pero si tienes la suerte de poseer una hermosa voz, no dudes en educarla; y considérala como uno de los más preciados dones que te haya concedido Dios!.”

Es importante la incidencia que hace Schumann en el trabajo y el uso de la voz. Es el instrumento natural del ser humano, con el que aprendemos a comunicarnos desde que nacemos. Entonces, ¿Por qué no usamos más para interiorizar mejor la música? Un detalle muy elocuente: el tema del último movimiento de la novena sinfonía de Beethoven era una melodía que el maestro canturreaba desde pequeño cuando iba por la calle. Con el tiempo, esa melodía tachada de infantil por sus contemporáneos llegaría a convertirse en la más universal de todas las compuestas a lo largo de la historia.

14.- “Procura llegar a comprender la música escrita, sin ejecutarla: con solo leerla.”

¡Cuánta verdad tienen estas palabras! Los estudiantes de hoy en día se afanan por tocar enseguida el piano centrándose en las dificultades técnicas. Schumann va mucho más allá. Hay que saber leer la partitura antes de tocarla. Hay que dedicarle tiempo para conocer su estructura, su armonía, sus melodías, sus cambios rítmicos,… TODO antes de hacer sonar el instrumento, porque sólo así se puede imaginar el mundo sonoro y expresivo que encierra cada partitura.

15.- “Cuando toques, no te preocupes de quienes te escuchan; pero sí ejecuta siempre como si te escuchara un maestro.”

Aquí Schumann está hablando de dos cuestiones muy importantes.En primer lugar está hablando de la honradez y autenticidad del intérprete.Éste no ha de estar pendiente por el qué dirán. Su misión es la de interpretar y comunicar fielmente y en su integridad todo el contenido expresivo de una partitura. Debe centrarse únicamente en “hacer aquello que ha estudiado durante tanto tiempo”. Y a ello hay que sumar la segunda frase. Ha de hacerse con el mayor grado de autoexigencia, como si escuchara el maestro, porque sin ella nunca se alcanza la calidad ni daríamos lo mejor de nosotros mismos.

16.-” La primera cualidad de la interpretación es la precisión, o sea, la exacta observancia del texto, que pone de relieve la más recóndita intención del autor.”

Citaremos aquí a  Deschaussées en su libro El intérprete y la música: “La vida que debe transmitir el intérprete no es sino el espejo del alma del compositor, de sus visiones imaginarias o vividas, de sus reacciones en el mundo. A través de los signos escritos, una partitura vibra, respira, afirma, duda, espera…; en una palabra, es un lenguaje que VIVE y ha sido escrito por la mano de un hombre”.

17.-” Si te dan para tocar un trozo que no conoces, léelo antes de ejecutarlo.”

Es la cuarta incidencia de Schumann en la importancia y la trascendencia de la lectura. Leer para tocar implica siempre una distracción de nuestra atención hacia los movimientos físicos para hacer sonar el instrumento, con lo que estamos limitando nuestra capacidad de comprensión y asimilación de una partitura. Un símil: como cualquier actor de teatro, primero hay que leer, estudiar  un texto, interiorizarlo y comprenderlo en su integridad, para después saberlo traducir en sonidos dotados de la mayor riqueza expresiva posible.

18.-” Si después de la técnica diaria estás cansado, no continúes tocando: es mejor descansar que trabajar sin placer y sin energía.”

Interpretar es una tarea que requiere concentración y esfuerzo. El cansancio y la desgana son malos aliados para el trabajo fructífero de un intérprete. Es mucho más eficaz una hora en plenas facultades que cinco por obligación. Claro está, la responsabilidad de un buen estudiante es la que determinará una equitativa carga de trabajo.

19.- “No ejecutes las composiciones que están de moda. El tiempo es precioso, y sería necesario vivir cien veces más de lo que se vive para llegar a conocer solo la buena música existente.”

Al igual que en la época actual, también en la de Schumann había muchos compositores de moda con sus partituras. Pero es labor del músico saber discernir entre lo verdaderamente interesante y lo que no deja de ser música de entretenimiento.

20.- “Nutriendo a los niños con golosinas no se forman hombres sanos. La nutrición del espíritu, como la del cuerpo, debe ser sencilla y  substanciosa. Los grandes maestros te han provisto abundantemente: aliméntate de sus obras.”

Nunca hay que conformarse con lo sencillo y fácil de tocar. Los grandes compositores nos han dejado un legado tan importante porque sintieron la necesidad de expresar con sonidos lo que otros lo hicieron con palabras (poetas, novelistas y filósofos), pinturas o esculturas. Y eso es una parte muy importante de la riqueza cultural e la humanidad.

Un detalle musical:

Concierto para piano y orquesta de Schumann por Gilels